Comment le film Looney Tunes a défié les attentes pour arriver sur grand écran

Le Jour où la Terre a explosé : Un film Looney Tunes, première production entièrement animée mettant en scène les personnages Looney Tunes, est sorti dans les salles américaines le 13 décembre. Cette réalisation a failli ne jamais voir le jour, à plusieurs reprises.

« Au moins trois ou quatre fois durant la production, j’attendais cet appel téléphonique [pour annuler le film] », confie le réalisateur Peter Browngardt. « Ce fut un chemin semé d’embûches. »

C’est un euphémisme. Browngardt a été engagé à la mi-2021 pour produire et réaliser Le Jour où la Terre a explosé comme son premier long-métrage. Il avait précédemment participé en tant que scénariste au reboot très apprécié de HBO Max des Looney Tunes, une série de nouveaux courts métrages conçus avec les personnages classiques qui ont démontré qu’il existait un public désireux de voir plus de contenu Looney. Avec son équipe de scénaristes — près de 15 personnes sont créditées sur le film — il a élaboré une idée originale où Daffy Duck et Porky Pig découvrent un complot extraterrestre visant à prendre le contrôle de la Terre à l’aide de chewing-gums à contrôle mental. Les deux personnages iconiques doivent sauver la planète sans s’énerver l’un l’autre.

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Le Jour où la Terre a explosé avait été prévu comme un film original pour Max, mais, comme beaucoup de projets Warner Bros — tels que Batgirl et Coyote vs. Acme — il a été mis de côté à la suite de la restructuration qui a suivi la fusion de Warner Bros avec Discovery début 2022. Warner a permis aux producteurs de le proposer à des acheteurs indépendants. Après sa première mondiale au Festival du Film d’Animation d’Annecy cette année, Ketchup Entertainment, un distributeur indépendant peu connu pour ses programmes destinés aux enfants (ses précédentes sorties incluent Hellboy: The Crooked Man et Hypnotic de Robert Rodriguez), a rapidement acquis les droits domestiques. Le film aura une projection qualificative aux Oscars le 13 décembre, avant son lancement sur 1 500 écrans en février.

Lors d’un entretien approfondi avec The Hollywood Reporter, Browngardt évoque les batailles qu’il a dû mener face aux fusions d’entreprises, aux coupes budgétaires, aux grèves et à une pandémie pour arriver à projeter Le Jour où la Terre a explosé sur grand écran.

Ce projet a une histoire de production si folle, ayant commencé comme une série pour Max, puis devenu un long-métrage, avant d’être mis en attente pour finalement revenir. Y a-t-il eu un moment où vous avez désespéré que ce film devienne, je ne sais pas, le prochain Batgirl et soit annulé complètement ?

Environ trois ou quatre fois durant la production, j’attendais cet appel téléphonique [pour annuler le film]. Ce fut un parcours difficile. En fait, nous avions eu l’approbation pour Max, mais ensuite il y a eu la fusion avec Discovery, donc Warner Bros était en grande difficulté financière et commençait à couper de nombreux projets. Mais nous avions un budget très modeste pour un long-métrage, environ 15 millions de dollars, donc nous étions les derniers sur la liste. Ils s’attaquaient d’abord aux gros budgets, puis réduisaient peu à peu. Mais comme nous étions assez petits, nous avons obtenu la permission de continuer la production. Je pense qu’ils aimaient également ce qu’ils voyaient. Ensuite, nous avons eu la permission de tenter de vendre le film en dehors du studio, et nous l’avons proposé à d’autres diffuseurs, mais personne n’en voulait.

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À ce moment-là, il y avait beaucoup d’inquiétude quant à l’avenir du streaming, ce qui faisait que les gens ne dépensaient pas. Warner Bros. International s’était brièvement montré intéressé à distribuer le film [en dehors des États-Unis], mais ensuite la grève est survenue et cela nous a un peu mis à l’écart, car ils se concentraient sur Dune : Partie 2 et sur d’autres blockbusters. Ils avaient besoin de marketing pour cela, donc ils ont passé leur chemin. Nous avons dû chercher à l’extérieur. Nous avons fait les démarches habituelles pour vendre un film indépendant lors d’un festival. Cette société britannique, GFM Animation, a effectué quelques ventes internationales, mais c’est Ketchup Entertainment qui nous a sauvés. Si nous n’avions pas obtenu de distribution domestique, cela aurait été terminé. Ils ont assisté à la projection à Annecy, qui s’est très bien passée, nous avons reçu d’excellents retours et une couverture médiatique positive. Ils se sont pleinement investis. C’est merveilleux que le film sorte en février sur 1 500 écrans. Nous avons essentiellement produit un film indépendant via Warner Bros. Quelle expérience surréaliste !

Il est étrange que le premier film Looney Tunes entièrement animé sorte indépendamment et non par Warner Bros.

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Oui, il y a eu des films de compilation par le passé, comme Le Film de Daffy Duck : Île Fantastique (1983) ou Le Film de Bugs Bunny/Road Runner (1979) qui rassemblent d’anciens courts classiques. Ensuite, il y a les longs métrages [de live-action/animation] comme Space Jam, qui sont essentiellement des publicités pour des baskets. Mais il s’agit du premier film original entièrement animé avec des personnages Looney Tunes. C’est fou de penser qu’ils existent depuis plus de 80 ans sans avoir été utilisés de cette façon. Je pense qu’on pourrait faire de nombreux films avec ces personnages animés classiques — les Bugs, les Daffy, ainsi que les Mickey Mouse et Goofy. Un Film Goofy (1995) a été une grande source d’inspiration pour nous.

Pourquoi avoir choisi Daffy Duck et Porky Pig pour ce long-métrage plutôt que, disons, Bugs Bunny, qui semble plus vendeur ?

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Nous avons choisi Porky et Daffy particulièrement parce qu’ils ne cherchent pas toujours à s’éliminer l’un l’autre. La plupart des autres personnages Looney Tunes sont constamment en train d’essayer de se tuer, à chasser des lapins et autres. Mais nous savions qu’il nous fallait une histoire émotive. Autant nous adorons écrire des blagues, autant il nous fallait vraiment approfondir une histoire capable de captiver le public durant 90 minutes. En gardant le style Looney Tunes, nous devions définir leur relation et les placer dans des situations délicates. Mais je ne voulais pas les changer. À la fin du film, Daffy Duck et Porky Pig demeurent tels qu’ils sont. Ils ont vécu une expérience et peut-être ont-ils appris quelque chose l’un sur l’autre, mais ils restent fidèles à leur essence.

Vous êtes également resté fidèle au style d’animation. Le film a une vraie allure de vieux Looney Tunes.

Pour moi, le principe est : on ne redessine pas les Looney Tunes. On continue simplement à les faire vivre. Ils ont tenté de les redesign à plusieurs reprises dans le passé, mais c’est une perte de temps. Quelque chose comme les Looney Tunes, qui fonctionne si bien, avec ces archétypes de personnages et ce style, c’est comme gagner à la loterie. On ne joue pas avec ça. On s’y accroche et on continue à peaufiner, peaufiner, peaufiner. Ces personnages sont les plus grands de l’histoire du dessin animé. Ces courts métrages sont probablement les meilleures comédies jamais réalisées au cinéma, au même niveau que Chaplin et Buster Keaton.

Mais les Looney Tunes ont connu 40 ans avec des réalisateurs classiques et ils ont beaucoup joué avec le style des anciens courts métrages, avec des fonds graphiques plus élaborés et plus luxuriants. Même avec les personnages, on pouvait toujours voir la touche du réalisateur ou de l’animateur dans les designs. Ce n’était jamais un modèle rigide à recopier, c’était très organique.

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Nous avons beaucoup travaillé pour ce film. J’ai récupéré chaque court métrage Looney Tunes. Il y en a environ 1 030, et tous ne sont pas disponibles, mais il existe des moyens pour s’en procurer des copies. Je voulais les avoir sous forme de vidéos Quick Time sur nos serveurs pour ce projet, afin que tout le monde puisse les consulter. C’était comme avoir le manuel d’instructions à portée de main. Nous avons organisé de nombreuses réunions d’équipe où nous avons visionné ces courts, étudié leurs mouvements, leurs dialogues.

Mais nous avons également puisé l’inspiration dans d’autres films. Nous avons beaucoup évoqué Dumb and Dumber et Borat. Ou des films comme The Jerk avec Steve Martin : des comédies marquées par des personnages forts et emblématiques qui ont une trame émotionnelle mais qui ne changent pas vraiment.

Il y a de nombreux scénaristes crédités sur ce film. Était-ce une configuration type « writers’ room », comme dans une émission télé ?

Je reçois souvent cette question. J’ai collaboré avec un scénariste, Kevin Costello, sur un premier brouillon. Ensuite, Kevin, moi-même, Alex [Kirwan] et quelques autres membres de l’équipe avons travaillé sur l’ensemble du film via Zoom durant la pandémie. Nous avions des réunions de 3 à 4 heures, étudiant chaque séquence. Chaque projet animé que j’ai réalisé dans ma carrière a commencé par des esquisses et des lignes de base plutôt que des scripts, car je considère que le storyboarding fait partie de l’écriture. Quand on fait du dessin animé, on écrit et dessine en même temps. J’adore ça. C’est pourquoi je m’intéresse à l’animation télé. Je pense que le meilleur humour cartoon et le style d’humour Looney Tunes proviennent de scénaristes qui sont aussi des animateurs. Kevin a écrit un excellent premier brouillon, et plusieurs éléments de celui-ci se retrouvent encore dans le film. Cependant, à l’exception de Darrick [Bachman], qui est un véritable scénariste venu plus tard pour apporter quelques ajustements, tous les autres sont des artistes de storyboard et scénaristes. J’ai lutté avec le studio pour qu’ils obtiennent tous le crédit qu’ils méritent. Le studio n’aime pas faire cela, mais nous sommes des écrivains. Nous écrivons les dialogues de ces personnages animés. Nous rédigeons chaque action qu’ils réalisent. Cela se produit dans tous les films d’animation. Si vous comparez le script original qui a vendu le film, comme Shrek ou un autre, il est remodelé quatre ou cinq fois, presque depuis le début, avant d’arriver à la version finale. C’est l’une des choses dont je suis le plus fier concernant ce film : j’ai pu donner crédit à ceux qui le méritaient. J’aimerais que les animateurs puissent rejoindre la WGA, mais c’est un autre combat.

J’ai dit que le film avait une ambiance Looney Tunes old-school, mais il y a également beaucoup d’humour référentiel, de rupture du quatrième mur, etc., qui m’ont rappelé les cartoons de Nickelodeon et Cartoon Network.

C’est exact. Je pense que ça fait partie de notre ADN maintenant. Nous ne pouvons plus écrire des blagues parfaitement conformes à 1945. Lorsque j’étais à Cal Arts, un réalisateur et animateur invité a dit : « Ne vous souciez pas d’être toujours original. Soyez vous-même et mettez-vous dans ce que vous faites, et l’originalité et le ton ressortiront. » Mon ton et mon humour sont indéniablement influencés par Cartoon Network et SpongeBob, et cela se reflète, mais cela vaut aussi pour tous ceux qui ont travaillé dans l’équipe. Je veux dire, Warner Bros Animation n’avait réalisé qu’un seul film auparavant, le film Teen Titans [Teen Titans Go ! To the Movies de 2018]. Aucun d’entre nous, ou presque, n’avait travaillé sur des longs-métrages avant. Nous avons abordé la production comme si nous réalisions un dessin animé de 11 minutes pour Cartoon Network. Nous avons travaillé très rapidement, efficacement et à moindres frais. C’est la nouvelle génération du style humoristique. Je n’avais aucune règle strictement établie. S’il s’agissait d’une bonne blague et qu’elle était contemporaine — comme notre blague sur le covoiturage ou celle sur le café — mais qu’elle nous faisait rire, alors elle restait.

Ce film se termine par un clin d’œil vers une éventuelle suite. Quelles sont les chances d’un tel projet ? Avez-vous encore le numéro de [David] Zaslav, le PDG de Warner Bros. Discovery, en accès rapide ?

Je ne vous conseillerais pas d’attendre. Mais cela dépasse mes compétences. J’ai quitté le studio en février, littéralement, le jour où j’ai approuvé la version finale du film était ma dernière journée chez Warner Bros. Donc, je ne sais pas ce que l’avenir réserve aux Looney Tunes, avec cette société ou dans ce monde. Mais je pense que si on confie ces personnages aux bonnes personnes, ils pourraient avoir un bel avenir. J’ai passé un moment merveilleux, une expérience fabuleuse en réalisant ce film. Et je pense qu’il est possible de faire un film avec n’importe laquelle de ces propriétés Looney Tunes. Le seul obstacle, et j’ai découvert cela en participant à des groupes de tests pour le programme de courts métrages des Looney Tunes, c’est que beaucoup d’enfants ne savent pas qui est Daffy Duck. Disney a toujours été bon pour maintenir Mickey Mouse au premier plan de la génération jeune, c’est pourquoi ils ont leurs émissions pour la maternelle et leurs différentes variantes de shows autour de Mickey. Warner Bros. ne l’a pas fait avec les Looney Tunes. Et je pense que cela a été une erreur parce que, à mon avis, les Looney Tunes sont des personnages bien supérieurs.