Mo Papa : Interview filmique à Tallinn – Improvisation, Traumatisme, Impulsion Divine

L’émergente réalisatrice et scénariste estonienne Eeva Mägi (Mo Mamma, Who Am I Smiling for?) présente ce jeudi la première mondiale de son nouveau long-métrage, Mo Papa, un drame non scénarisé explorant les cicatrices laissées par le traumatisme infantile et l’incarcération. Ce film inaugure la sélection des coups de cœur du 29e Tallinn Black Nights Film Festival (PÖFF) avec une expérience cinématographique audacieuse, brute et émotionnelle sur le traumatisme et nos espoirs de guérison.

Mo Papa suit Eugen, 28 ans, qui vient d’être libéré après avoir purgé 10 ans de prison pour un accident tragique ayant coûté la vie à son jeune frère. Hanté par une enfance « marquée par l’abandon et un traumatisme non résolu », il revient dans un monde qui a continué sans lui. Ses seuls liens sociaux sont son père éloigné et deux amis d’enfance qu’il connaît d’un orphelinat. Eugen cherche le pardon et une seconde chance, mais de vieilles blessures menacent de le piéger dans un cycle d’autodestruction.

Avec Jarmo Reha, Ester Kuntu, Rednar Annus et Paul Abiline au casting, le site du PÖFF promet « une histoire profondément humaine sur les cicatrices que nous portons, les personnes que nous repoussons et la rédemption que nous désirons. »

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Mägi a écrit et réalisé le film, et l’a produit avec Sten-Johan Lill, également responsable de la direction de la photographie. La conception de la production est signée Allan Appelberg, Ulvi Tiit, Jette-Krõõt Keedus est la monteuse, tandis que Tanel Kadalipp s’est occupé du son et de la composition. Le film se rendra ensuite à sa première internationale dans la compétition principale du Festival du Film de Turin le 25 novembre.

THR a discuté avec Mägi de Mo Papa, de vivre, respirer et ressentir le cinéma plutôt que de le scénariser en détail dans sa trilogie, ou « mouvement », de films non scénarisés à très faible budget, et de ce quiSuit pour elle.

Qu’est-ce qui vous a poussé à aborder ces problématiques sociales et ces personnages, ainsi que les défis qu’ils rencontrent ?

J’ai généralement une idée que je souhaite transformer en film, mais cela prend du temps. C’est un long processus, et à un certain moment, tout se clarifie dans ma tête. J’étais étudiante en droit mais je voulais devenir psychiatre ou psychologue. À 21 ans, j’ai travaillé dans une clinique psychiatrique. Après trois mois, cela m’a suffi. Je ne voulais plus être psychologue car ce que je voyais était trop difficile. J’ai vu tant d’enfants et d’adultes pris dans un cycle de traumatisme hérité dont on ne peut échapper. On naît dans une famille dépourvue de soins paternels. Depuis notre naissance, on est abandonné, et cela s’accumule.

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Je ne suis donc pas devenue psychiatre, mais cette expérience m’a profondément marquée. J’écrivais un script pour un film expérimental en explorant un mythe grec ancien sur Kronos et Ouranos, une histoire père-fils où le père tue son fils. J’ai également lu un article sur un fils ayant tué son père en raison d’une mauvaise éducation. J’étais très curieuse de savoir ce qui s’était passé. Un ami de ma copine avait aussi un passé fascinant. Son vrai père a été tué à cause de la mafia, et son beau-père, un autre mafieux, l’a soutenu, lui et sa mère, qui a finalement mis fin à ses jours.

Tout cela s’est accumulé, et puis j’ai reçu un refus pour le film expérimental qui ne fut jamais financé, marquant ainsi les débuts de Mo Papa. J’étais dans un bar à vin avec un ami qui joue le rôle principal, Jarmo. Nous avons commencé avec le personnage d’Eugen, et tout s’est ensuite dévoilé.

Il y a beaucoup d’émotions brutes dans le film qui vous saisissent et ne vous lâchent pas facilement. Combien de Mo Papa, qui se traduit par Mon Père, a été scénarisé, et combien a été improvisé ?

C’est totalement non scénarisé. Lorsque nous avons commencé à tourner, j’avais quelques notes pour me souvenir des idées qui me traversaient l’esprit. Mais tout était non scénarisé, et nous avons simplement dérivé sur la même vague de chaos. J’aime appeler cela « lutter à travers le chaos ». Nous avons alors le personnage d’Eugen, et Jarmo vivait vraiment ce personnage.

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Cela explique peut-être pourquoi j’étais partagé entre l’envie de prendre Eugen dans mes bras et celle d’avoir peur de lui…

Jarmo est extrêmement talentueux. Nous avons créé le personnage ensemble, et cela a été un processus. Nous avons d’abord fait sa coupe de cheveux, une improvisation de la maquilleuse. Nous avions d’abord l’idée de lui donner un look rasé. Mais la maquilleuse a voulu essayer une autre coupe, car Jarmo avait de longs cheveux. Elle a fait cette coupe qui est finalement parfaite. Jarmo était totalement dans son rôle. Ensuite, pour le costume, il est allé dans des magasins d’occasion avec le designer et nous avons créé son apparence. Il a vécu avec cette coupe et portait le costume.

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Nous sommes également allés ensemble à la prison de Tallinn et avons parlé aux gens là-bas, qui étaient très aimables avec nous. Nous craignions que cette histoire soit trop sombre, surtout vu qu’il avait tué son jeune frère par négligence pour qu’il ressente la même abandonment qu’il avait lui-même vécu. Mais les détenus ont compris l’histoire et l’ont jugée très réaliste, allant même jusqu’à nous aider à développer l’intrigue, en décrivant ce qu’on traverse réellement après 10 ans de prison et combien il est difficile de se réintégrer dans la société. On n’a pas d’argent, pas de parents, juste ce père éloigné et des amis de l’orphelinat. On doit donc reconstruire sa vie depuis zéro, en acceptant des petits boulots. C’est ce que nous avons cherché à montrer.

Et Jarmo a-t-il également fait ces petits boulots ?

En réalité, il vivait dans son propre appartement, qui était complètement vide. Il n’avait qu’un matelas, une bouilloire et un ancien téléphone à boutons, car en tant qu’ancien détenu, il n’avait pas les moyens d’acheter quoi que ce soit. Il a donc commencé à accepter des petits boulots, comme déneiger des allées ou travailler pour une entreprise de pompes funèbres et une société de déménagement.

Il travaillait avec de vraies personnes, et elles le prenaient pour Eugen. Notre équipe était si réduite pendant le tournage que d’autres l’identifiaient comme s’il était vraiment Eugen. Je me souviens qu’après une pause déjeuner, un gars a demandé à Jarmo : « Eugen, comment te sens-tu ? Est-ce que tu es libéré de ta culpabilité ou tu vas la porter jusqu’à la fin de tes jours ? »

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C’était un moment très intéressant où j’ai compris que c’est cela aussi qui doit intéresser le spectateur. Donc, le film était non scénarisé et s’est déroulé dans la vraie vie, avec toutes ces situations réelles. Plus nous avancions, plus d’autres personnages apparaissaient car les gens lui posaient des questions sur son père et ses amis. J’ai donc contacté différents acteurs qui ont intégré le projet et commencé à développer leurs propres personnages. Cela a été un processus organique, très naturel.

Les personnages semblent très complexes et multidimensionnels. Comment avez-vous réussi à parvenir à cette complexité ?

Si vous laissez le hasard et la vie vous guider, cela ajoute sans cesse des couches. Quand on écrit un script et qu’on a un personnage précis, on ignore souvent toutes ces couches. Je pense que la vie et le hasard sont d’excellents réalisateurs.

Y a-t-il eu une scène particulièrement difficile ?

Beaucoup d’éléments étaient émotionnellement difficiles, car tous vivaient réellement leur personnage. Je pense que la scène la plus difficile était celle où ils rendent visite à Riko (Paul) dans une clinique psychiatrique. Eugen (Jarmo) et Stina (Ester) lui disent que tout ira bien et qu’ils iront tous au Brésil. Les acteurs étaient tellement investis dans leurs rôles. À la fin de la scène, alors qu’ils font au revoir, ils descendent les escaliers, et les acteurs pleuraient. Ils ne pouvaient tout simplement pas sortir de cette émotion car tout semblait si vrai.

Je suis également descendue pour leur parler. C’était vraiment très difficile. Je sentais que nous étions à la limite et que j’avais entraîné les acteurs dans cette centrifugeuse de traumatisme, et qu’il était de ma responsabilité de les aider à en sortir.

Cela et plusieurs autres scènes montrent les personnages sifflant certaines mélodies, comme un moyen de faire face à leurs luttes et de se connecter avec leurs amis. Était-ce prévu ?

Non, nous ne savions pas cela. C’est la magie de cette méthode : il n’y a pas de dialogue. Tout est non scénarisé, et je suis dans l’instant présent avec les acteurs, guidant leur jeu depuis la caméra, et il arrive souvent que mon esprit soit complètement vide. Ensuite, soudain, quelque chose se produit. J’appelle cela l’impulsion divine. Ce n’est pas du hasard. Le hasard est extérieur. Mais cette impulsion divine est interne. Tout le monde la ressent et sait comment agir, mais vous devez attendre. Vous ne pouvez pas forcer cela. Vous devez passer par la lutte, le chaos. Ainsi, l’impulsion divine m’a dit qu’ils devraient siffler, car c’est un moyen pour les personnages de se calmer.

Considérez-vous Mo Papa comme faisant partie d’une trilogie ? Vous avez réalisé le film Mo Mamma en 2023, et j’ai entendu dire qu’il y avait un autre film ?

Oui, ils suivent la même approche, qui a émergé de Mo Mamma. Cela a aussi été dû à un refus de financement, mais j’ai toujours voulu réaliser ce film car c’est ma manière de m’exprimer. Ensuite, nous avons réalisé Mo Papa, puis Mo Amor [avec Jarmo Reha et Ester Kuntu à l’affiche].

En termes de thèmes, ils sont totalement différents, tout comme le style. J’avais l’idée de créer une trilogie après Mo Mamma. Je pensais qu’une histoire d’amour pourrait unir le tout, mais cela a fini par être très distinct. Ils ne sont pas liés, mais sont réalisés avec la même méthode non scénarisée. Nous avons très peu d’argent. Ce n’est pas vraiment un budget réduit, c’est plutôt un processus sans budget. C’est non scénarisé, avec une équipe très réduite, et une direction basée sur le hasard et la vie, attendant que cette impulsion divine se manifeste.

Nous avons eu la chance qu’après le tournage d’un film, nous avons pu prouver qu’il méritait un certain budget. Donc, pour les deux films, nous avons reçu des fonds du Fonds d’Allocation Culturelle pour la post-production.

Travaillez-vous sur quelque chose de nouveau ?

Pendant des années, j’ai sollicité des financements pour un projet de loup-garou, mais il a reçu un refus définitif de l’Institut Estonien du Film ce printemps. J’ai donc eu une autre idée que je suis en train de développer à la place.

Cela s’appelle Mo Hunt, qui raconte l’histoire de trois personnages, mais dans le film, nous n’en montrons que deux. C’est l’histoire d’une ballerine épuisée qui souffre depuis longtemps. Elle décide de tout risquer en devenant une mère porteuse illégale pour un prêtre solitaire, souhaitant que cette douleur puisse enfin avoir un sens. Le film se concentre sur les quatre jours avant la conception de l’enfant. En tant qu’artistes pauvres, ils le font pour de l’argent, tout en sachant que c’est aussi un acte divin. Le film ne montre que ces quatre jours et les épreuves que leur relation traverse. Donc, je suppose que ce n’est plus une trilogie, mais plutôt un mouvement. Je ne veux pas l’appeler méthode, car on ne peut pas avoir de méthode pour traverser le chaos.

Avez-vous quelque chose d’autre à partager ?

En tant que réalisatrice, je suis extrêmement reconnaissante pour les opportunités que la vie m’a offertes, me permettant de réaliser des films de cette manière, sans avoir besoin de gros budgets ou d’histoires scénarisées à la perfection. Joseph Campbell parlait du mythe qui vit en nous, et nous sommes capables de danser au rythme de cette musique, même si nous ne connaissons pas la mélodie. Il s’agit de faire confiance, non seulement à soi-même, mais aussi à la créativité et aux impulsions divines. C’est de créer de l’art, des films et des histoires qui touchent les gens et qui sont empreintes d’empathie.