Rachel Zegler et Gal Gadot dans le remake dynamique de Disney

Parmi tous les classiques animés de Disney ayant bénéficié d’un traitement live-action, peu sont aussi appréciés que Blanche-Neige et les Sept Nains de 1937, un chef-d’œuvre qui a ouvert la voie à une multitude de contes de fées canoniques parfaitement adaptés à cette forme. Cela a conduit à la création d’histoires originales, bâtissant ainsi une vaste bibliothèque de dessins animés dont le studio est fier, et un héritage admiré à l’échelle mondiale. Bien que Blanche-Neige arrive avec son lot de controverses en ligne exagérées, cela n’a aucune incidence sur les plaisirs que réserve cette mise à jour du 21e siècle. Même ceux qui critiquent le film devront probablement admettre qu’il ne s’agit pas de la pomme empoisonnée.

En transformant cette forme particulière d’extension de marque et de réutilisation de propriété intellectuelle en un sous-genre à part entière, l’essor des remakes live-action de Disney – qui a explosé ces dix dernières années – est un mélange hétéroclite. Certains films sont tellement issus de l’outillage numérique que l’étiquette « live-action » ressemble à de la publicité mensongère ; d’autres aplanissent le charme désuet de contes venus d’époques moins cyniques ; et certains peinent à égaler la magie unique que seule une grande animation peut produire.

Blanche-Neige n’atteint pas tout à fait le sommet, à l’instar de Cendrillon, Peter et Elliott le dragon ou de la version de 1994 de Le Livre de la Jungle. Mais il se situe clairement dans la partie supérieure de l’échelle, à côté de films comme Mulan, La Belle et la Bête et Cruella. Cela le distance considérablement d’efforts dénués d’âme tels que Dumbo, Pinocchio ou les récents films Alice au Pays des Merveilles. Ou, beurk, Le Roi Lion.

La polémique entourant le film a commencé avec le choix de Rachel Zegler, jugée « pas suffisamment blanche » pour le rôle principal. Les flammes de la controverse ont été attisées par les commentaires désinvoltes de la star concernant l’original de 1937, puis encore par sa réaction hostile à la réélection de Trump (pour laquelle elle a par la suite présenté ses excuses) et son soutien à la Palestine. Le public a rapidement concocté un récit de diva en conflit lorsque la co-star israélienne Gal Gadot, qui a effectué ses deux ans de service militaire dans Tsahal, a pris position contre l’antisémitisme et plaidé pour la libération des otages israéliens à Gaza.

Cependant, tout ce bruit de fond n’a pas d’importance dans cette retelling vibrante de Marc Webb, rendue possible par un scénario intelligent d’Erin Cressida Wilson, qui transforme une histoire de princesse en quête de son chevalier en une quête où elle trouve le courage d’être une leader, suivant les traces de son noble père. Ce désir s’exprime avec une émotion puissante dans « Waiting on a Wish », la chanson phare parmi les nouvelles compositions de Benj Pasek et Justin Paul.

Si cela semble être le modèle classique d’autonomisation des femmes, presque obligatoire dans les réinterprétations contemporaines de contes de fées, c’est en grande partie le cas. Mais l’incandescente Zegler le vend avec conviction et cœur. Il y a effectivement pire message à véhiculer dans le monde actuel à travers des films familiaux que de célébrer les vertus de la gentillesse et de l’équité face à la tyrannie.

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La seule controverse qui vient légèrement perturber l’expérience de visionnage de Blanche-Neige est la délicate question de la représentation des « sept nains » dans un monde où les standards de représentation ont considérablement évolué. On peut apprécier le défi auquel ont fait face les cinéastes pour rester fidèles à un élément clé du conte des frères Grimm de 1812 sans offenser la communauté des personnes atteintes de nanisme. Bien que la talentueuse distribution vocale donne aux personnages humour et personnalités distinctes, leurs rendus CGI sont, disons, un peu dérangeants, et moins photoréalistes que bon nombre des adorables créatures des bois qui entourent Blanche-Neige.

Toutefois, ce choix discutable ne diminue pas les récompenses du film ; les interactions attendrissantes entre les nains et Blanche-Neige, ainsi que l’affection grandissante même du grincheux Grumpy (Martin Klebba), font vite oublier la distraction visuelle.

Wilson évacue rapidement l’histoire de fond. Blanche-Neige est née dans un royaume en bordure d’une forêt, où le bonheur règne sous le règne bienveillant du roi (Hadley Fraser) et de la reine (Lorena Andrea). Après la mort de la reine, le père de Blanche-Neige se remarie ; sa belle-mère (Gadot) se débarrasse bientôt du roi dans des circonstances mystérieuses, établissant son règne de peur sur le royaume.

La Reine Maléfique relègue Blanche-Neige aux tâches de servante. Mais lorsque son miroir magique lui révèle que sa belle-fille détestée est « la plus belle de toutes », la narcissique glaciale ordonne à son chasseur (Ansu Kabia) de conduire la jeune femme au fond des bois, de la tuer et de rapporter son cœur. Le masque qui parle depuis le miroir (avec la voix sonore de Patrick Page) est l’un des nombreux hommages à l’original animé.

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Le scénario de Wilson s’accroche à suffisamment de l’intrigue traditionnelle pour honorer son héritage, tout en intégrant assez de variations pour permettre à Blanche-Neige de se tenir sur ses propres pieds. L’un des changements les plus significatifs est la transformation de la figure du prince en Jonathan (Andrew Burnap), un paysan qui dirige un groupe de bandits des bois.

Contrairement à 1937, les romances dans les films familiaux commencent souvent sur une note conflictuelle, ce qui est le cas lorsque Jonathan chante de manière amusante sur les “problèmes de princesse” de Blanche-Neige, tout en essayant de survivre avec son groupe. Mais lorsque la Reine Maléfique apprend que Blanche-Neige est toujours en vie, elle envoie les gardes du palais dans les bois pour la ramener, incitant Jonathan et ses compagnons à la protéger.

En fin de compte, Blanche-Neige détermine qu’elle doit affronter la Reine Maléfique elle-même et restaurer le royaume à ce qu’il était, la bonté dans son cœur s’avérant être son atout le plus puissant. J’ai regretté la poursuite spectaculaire du film de 1937, lorsque les nains chassent la Reine Maléfique — déguisée en vieille sorcière, peu après avoir donné la pomme mortelle — à travers la forêt, l’engloutissant au bord d’une falaise où un éclair hâte sa chute. Mais les cinéastes trouvent une issue dramatique pour elle qui sied à sa vanité toxique.

Mettant à profit sa grande taille, Gadot incarne indéniablement le rôle de la méchante dans les costumes fabuleux de Sandy Powell — variations de longues robes pailletées dans des teintes allant du noir aux profonds bleus, verts et violets, agrémentées de colliers élaborés, dont un train irisé scintillant d’environ un demi-kilomètre de long.

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On pourrait souhaiter une petite pincée de camp dans sa performance — à la manière d’Angelina Jolie dans Maléfique — mais Gadot dégage une présence impériale, ornée de bijoux puissants. On est ravi de constater qu’elle savoure la malveillance de son personnage dans la chanson de la Reine Maléfique, « All Is Fair (When You Wear the Crown) ».

Burnap est séduisant en tant qu’intérêt amoureux un peu rugueux pour Blanche-Neige, un fripon ayant un sens de l’humour taquin qui la surprend en se plaçant du côté du bien.

Zegler rayonne de beauté dans la magnifique réinvention de Powell de la célèbre robe bleue et jaune que presque toutes les petites filles de l’ouest ont traînée dans la boue. Elle transmet l’esprit de combat de la princesse non pas avec une bravoure exagérée, mais avec une sensibilité délicate mais ferme quant à qui elle est et quel est son destin. Sa voix cristalline fait merveille avec les chansons de Pasek et Paul, même lorsqu’elles dérivent vers un territoire musical banal. Son duo romantique avec Jonathan, « A Hand Meets a Hand », est particulièrement joli. Zegler entraîne également les nains dans une reprise charmante du film original, « Whistle While You Work ».

L’autre chanson vintage mise en avant est « Heigh-Ho », le morceau entraînant chanté par les nains en se rendant au travail dans les mines, un vaste espace de charbon parsemé de rubans de gemmes étincelantes. Le train ressemblant à des montagnes russes qui les emmène dans les entrailles de la terre semble tout droit sorti d’un parc d’attractions.

La directrice de la photographie Mandy Walker (qui a brillamment travaillé sur Mulan, notamment dans les scènes de bataille épiques), la designer de production Kave Quinn et une équipe d’effets spéciaux créent un monde enchanteur digne d’un livre d’histoires, mêlant habilement décor sur plateau et environnements boisés avec des CG. Le film est vivant avec des couleurs chaleureuses dans les paisibles clairières forestières et la maison à toit de chaume des nains, tout en étant enveloppé d’ombres sombres dans le palais ou lors de la première rencontre terrifiante de Blanche-Neige avec la forêt.

Les monteurs Mark Sanger et Sarah Broshar maintiennent un rythme vif, et la musique orchestrale dynamique de Jeff Morrow apporte légèreté ou drame, selon le besoin. Webb prouve également son aptitude pour les intermèdes romantiques, les scènes d’attaque et les numéros musicaux, notamment le finale joyeux, « Good Things Grow », où tout le casting est vêtu de blanc éclatant par Powell. Certes, ces petits personnages en CGI mal intégrés nécessitent un temps d’adaptation, mais il s’agit du type de divertissement familial sain et élevant qui découle directement de l’ADN de l’ancien Disney.