Le poignant hommage documentaire d’Amy Berg

Dix ans après son documentaire biographique sur Janis Joplin, Janis: Little Girl Blue, la réalisatrice Amy Berg fait son retour dans le monde de la musique avec It’s Never Over, Jeff Buckley, un portrait élogieux d’un autre talent flamboyant parti trop tôt, laissant derrière lui un héritage influent. Chaque fan — qu’il s’agisse de ceux d’entre nous qui ont été émus par sa musique dans les années 90 ou des adolescents romantiques le découvrant récemment sur les réseaux sociaux — a ses chansons préférées de Buckley. Les miennes varient entre “So Real” et “Grace,” “Last Goodbye” et “Everybody Here Wants You.” Pour Berg, dont la connexion à la musique de l’artiste pulse à chaque instant de son nouveau documentaire, il semble que sa version transcendante de “Hallelujah” de Leonard Cohen soit celle qui résonne le plus.

Ce choix est tout à fait valable et populaire, représentant la seule chanson de Buckley à atteindre la première place d’un classement Billboard — en 2008, soit 11 ans après sa mort tragique à 30 ans. Cependant, cela contribue également à la sensation que, comme beaucoup de documentaires musicaux approuvés par les membres de la famille contrôlant l’héritage de l’artiste — dans ce cas, sa mère, Mary Guilbert — il s’agit d’une version approuvée plutôt que d’un film qui explore en profondeur ou découvre de nouvelles perspectives.

It’s Never Over, Jeff Buckley

La Conclusion
Peu de nouvelles perspectives, mais émouvant et sincère.

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Lieu: Sundance Film Festival (Premières)
Réalisatrice: Amy Berg
1 heure 46 minutes

Ne vous y trompez pas, il y a énormément d’éléments ici pour satisfaire ceux qui souhaitent plonger dans la vie et l’œuvre de ce chanteur-compositeur possédant une incroyable tessiture vocale de quatre octaves et un falsetto capable d’émouvoir tout en étant dans un registre rock puissant. Il est captivant dans les interviews d’archives, les extraits de performances sont à couper le souffle, la musique sonne mieux que jamais, et il est divertissant d’entendre Buckley parler avec enthousiasme de ses influences variées — allant de Judy Garland à Nina Simone, en passant par Nusrat Fateh Ali Khan, Led Zeppelin, Soundgarden et The Smiths, jusqu’à Bill Evans et Chostakovitch.

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Pour simplifier tout cela lors d’une interview en 1995, il déclare : “Mes principales influences musicales ? L’amour, la colère, la dépression, la joie… et Zeppelin.” En retour, le guitariste de Led Zeppelin, Jimmy Page, et le chanteur Robert Plant, ont exprimé de vifs éloges pour le premier et unique album studio de Buckley, Grace, tout comme Bob Dylan, David Bowie et Morrissey.

Tous ces éléments sont excellents. Mais pour les fans déjà familiers avec l’œuvre de Buckley et le mythe qui l’entoure, il se peut qu’il n’y ait pas grand-chose de vraiment nouveau ou révélateur.

Berg est une cinéaste accomplie, ayant réalisé à la fois des documentaires et des longs métrages narratifs. Elle et les monteurs Brian A. Kates et Stacey Goldate ont créé un ensemble stimulant qui avance à un rythme rapide, variant les textures visuelles et identifiant les qualités distinctives qui ont fait de Buckley une nouvelle voix pleine de soul dans la musique lors de la sortie de Grace en 1994. Cependant, il y a une certaine sophistication dans It’s Never Over, avec ses graphiques animés, ses textes « écrits à la main » et ses effets psychédéliques, qui semblent légèrement en décalage avec l’émotion brute, le désir plaintif de la musique de Buckley.

Le timing de ce documentaire, si proche de A Complete Unknown, souligne à quel point Buckley était un artiste d’un autre temps, avec une carrière naissante qui rappelle les débuts de nombreux artistes de la scène folk de New York dans les années 60. Alors que Dylan émergeait dans les petites salles du West Village, Buckley commence à faire parler de lui au Sin-é de l’East Village, jouant des sessions improvisées pour quelques clients, qui se sont rapidement transformées en grandes foules débordant des portes. Le public incluait inévitablement des responsables de maisons de disques, et il a signé avec Columbia, tout comme Dylan en 1961.

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Avant sa découverte au Sin-é, la première performance publique de Buckley à New York a eu lieu lors d’un concert hommage à son père, le folk rocker Tim Buckley, en 1991, qui avait quitté Guilbert lorsque Jeff n’avait que six mois. Le père et le fils ne se sont rencontrés qu’une seule fois par la suite, durant quelques jours juste avant la mort de Tim en 1975, à l’âge de 28 ans, d’une overdose d’héroïne et de morphine. Buckley était réticent à jouer lors de cet hommage car il souhaitait être reconnu à travers sa propre musique, et non par rapport à son père. Mais Guilbert a réussi à le convaincre.

La réticence de Buckley envers son père transparaît à plusieurs reprises dans le film de Berg. Lorsqu’un interviewer lui demande ce qu’il a hérité de son père, Buckley répond sans détour : “Des gens qui se souviennent de mon père. Question suivante.” Dans un moment poignant, son batteur sur Grace, Matt Johnson, se rappelle que Buckley, alors âgé de 29 ans, a déclaré qu’il avait déjà dépassé l’espérance de vie de son père.

Probablement pour garder l’accent respectueux sur son sujet, Berg ne s’attarde pas sur les parallèles entre les décès de Tim et Jeff Buckley. Cette association a alimenté le mystère autour de la noyade de ce dernier dans la Wolf River à Memphis en 1997, tout comme les décès prématurés d’artistes comparables comme Nick Drake et Elliott Smith, respectivement avant et après Buckley. Le récit romantique du “trop pur pour ce monde” tissé parfois autour de Drake, Buckley et Smith n’est heureusement pas abordé.

Il est compréhensible que le documentaire souhaite s’éloigner de ces décès liés aux drogues, en mettant en avant le fait que le rapport d’autopsie a révélé qu’il n’y avait qu’une bière dans le sang de Buckley au moment de sa noyade, tout en critiquant Rolling Stone pour avoir choisi d omettre cette information de son article. Il était connu pour consommer des drogues, mais n’a jamais été un accro.

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Cependant, plusieurs éléments entourant sa mort — les images sombres d’eau et de noyade récurrentes dans ses paroles ; les appels qu’il a passés, dans les deux semaines précédant sa mort, à presque tous ceux qu’il connaissait, qui avaient l’air de faire leurs adieux ; le message déchirant qu’il a laissé à sa mère ; le fait qu’il soit entré dans l’eau pleinement habillé, y compris ses bottes — ont alimenté les spéculations selon lesquelles ce que l’on a qualifié de noyade accidentelle pourrait être interprété comme un suicide prémédité. En ne touchant même pas à cette théorie, même si elle a été discréditée, Berg renforce l’idée que ce portrait est strictement autorisé.

Cependant, la force du film, au-delà de sa richesse en matériel d’archives, réside dans la nature très personnelle des interviews contemporaines. Parmi les contributions les plus notables, on trouve Guilbert, qui reconnaît librement avoir été une mère imparfaite mais clarifie l’amour qu’elle partageait avec son fils. Il y a également des témoignages émouvants d’anciennes petites amies, notamment la musicienne Joan Wasser, et surtout, Rebecca Moore, qui s’émeut en racontant qu’il a terminé son dernier appel en disant, “Sache que je t’aime.”

Les fans passionnés des icônes musicales souhaiteront toujours avoir leur version de l’histoire, ce qui explique peut-être certaines de mes réserves pointilleuses sur le film de Berg. Cela pourrait également expliquer l’énorme écart entre la qualité et la quantité dans l’explosion des documentaires musicaux ces dernières années.

Un artiste du calibre de Buckley — décrit à un moment donné comme ne se conformant ni aux styles masculins ni féminins sur la scène musicale, et ayant une qualité aquatique, “très vagues” — va toujours instiller un sentiment de possession chez quiconque ayant un lien avec sa musique. It’s Never Over n’est peut-être pas la biographie de Buckley dont tout le monde a besoin, mais c’est un hommage émouvant réalisé avec beaucoup de cœur.

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